sep 23 2012

La zona gris: El precio de las personas

El ser humano no conoce sus límites. Los puede imaginar aunque siempre desde el peligro que supone la equivocación absoluta.
La zona gris es una película que explora esa zona tan desconocida para el ser humano. Puede parecer un disparate, pero si algo está fuera de control son los límites que podemos llegar a cruzar.
El realizador Tim Blake Nelson consigue entregar un producto bien estructurado que no quiere dejar cabos sueltos. La zona más oscura del ser humano existe y puede aparecer en cualquier momento o lugar; hay que mirar a la cara del mal para saber con qué nos enfrentamos; nadie está al margen de la maldad porque todos tenemos un precio. La novela del Dr. Miklos Nyiszli sirve de arranque para que Tim Blake Nelson escriba el guión de una de las películas más difíciles de ver que se recuerdan. Porque eso que cuenta ocurrió, porque eso que cuenta no se evitó por muchas personas que conocían la verdad de lo que sucedía en los campos de concentración alemanes, porque las respuestas a las preguntas que se formulan asustan.
Los sonderkommanders eran los judíos encargados (en el campo de exterminio alemán de Auschwitz-Birkenau) de hacer entrar a miles de personas en la cámara de gas, arrancarles los dientes de oro, despojarles de todo lo valioso, cortarles el pelo después de muertos, introducirles en un horno y tirar sus cenizas a un río. A cambio, esos judíos recibían comida, cierto trato de privilegio y una muerte un poco más allá de la fecha prevista. El penúltimo de esos sonderkommanders es en el que se centra la trama. Porque cuando sus integrantes saben que su propia muerte está próxima deciden rebelarse.
El color azul y gris predomina en todo el metraje. Tan sólo aparece un color vivo cuando la esperanza es cierta. Es decir, cuando llega la muerte. Un enfoque duro y catastrofista que permite tener al espectador un pequeño margen de maniobra ante lo que ve. Muy pequeño. La música multiplica este efecto de forma colosal. La escena en la que los judíos llegados en tren deben entrar en la cámara de gas mientras una orquesta formada por otros judíos (lo que queda de ellos) ameniza la acción es espeluznante. Y si falta la música se escucha el sonido de los hornos funcionando sin descanso, el del gas aniquilando personas. Es un sonido que se lleva puesto cualquiera que ve la película y que difícilmente olvidará. Vestuario, maquillaje y peluquería acompañan con corrección toda la trama.
La dirección actoral es notable. David Arquette, Steve Buscemi, Harvey Keitel, Natasha Lyonne, Mira Sorvino, Daniel Benzali, David Chandler y Allan Corduner se mueven por la pantalla dando vida a personajes sin alma, sin esperanza alguna. Ninguno de ellos las tienen. Sobresale David Arquette. Buscemi y Keitel tienen papeles más secundarios aunque defienden bien el trabajo.
El ritmo es el adecuado y tira del espectador desde el primer momento. Y el director cierra la narración con las pocas opciones que tiene. En ese sentido no se pueden poner pegas. Sin embargo, justo cuando acaba la película, se produce un cambio en el punto de vista que no termina de encajar bien. Con él aparece la poesía (?), una luz de esperanza. Innecesario, traído por los pelos. Estas cosas no suelen funcionar bien.
La zona gris es una buena película. Difícil de encajar, pero que todo el mundo debería ver. Las preguntas que asaltan son terribles y las respuestas que se pueden dar insuficientes. Porque nadie sabe poner precio a su propia vida ni a la de los demás; nadie sabe lo que sería capaz de hacer si.
© Del Texto: Nirek Sabal


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dic 8 2010

Reservoir Dogs: La belleza del lado oscuro

El mundo es la suma de lo bello y lo horrible, de la bondad y de la maldad, de lo refinado y lo tosco, de la tranquilidad y la violencia. Nada queda excluido. Todo es sí y no. Aunque muchos se empeñen en mirar hacia otro lado para no ver lo feo e incómodo del universo, nada falta. Y, como eso es lo que hay, conviene que algunos dediquen su esfuerzo a enseñarlo. ¿Es posible realizar una obra de arte tomando como materia prima lo más nauseabundo del escenario? Pues claro que sí. Porque el problema no es lo bonito que sea lo elegido o lo terrible que resulte alguna cosa. No. El asunto es otro bien distinto. Se trata de presentar, de tratar un tema cualquiera desde una perspectiva única que sea capaz de modificar el mundo, de convertirlo en algo nuevo, en eso que puede transitar cualquiera para hacerlo suyo. Una de las características de la obra maestra es su carácter universal. Que sea agradable a la vista, al oido o al tacto, es harina de otro costal.
Pues bien, Quentin Tarantino se empeñó desde el principio en mostrar nuestro bonito mundo desde las cloacas. En 1.992 nos dejó un regalo en forma de película que recorre la zona oscura de la humanidad. Su violencia, su brutalidad, su discurso soez, su autodestrucción, su maldad. Todo lo peor estaba en Reservoir Dogs. Pero estaba envuelto en una tensión narrativa única, en una estética personalísima y abrumadora; en un guión impecable que llevaba al espectador del asco a la carcajada a la compasión o al odio, de escena en escena; envuelto en una banda sonora maravillosa arrancada de las listas de éxitos de los años 70.
Violencia extrema, lealtad, traición y maldad, mezcladas para conseguir un producto difícil de repetir.
Seis delincuentes tienen que robar una joyería. Un trabajo fácil y ordenado que se convierte en un desastre cuando la policía llega como por arte de magia. A partir de ese momento se suceden las muertes y las escenas de violencia delirante. Todo hace pensar que hay un traidor en el grupo. Es necesario encontrar al culpable de lo sucedido. Tarantino va contando todo esto despreciando la linealidad en la narración, convirtiendo la película en una sucesión de escenas que se van explicando unas a otras desde el pasado o el presente. Consigue utilizando este recurso una dinámica que iguala la tensión en cada escena, de principio a fin.
Los actores están estupendos defendiendo sus papeles. Lawrence Tierney (el jefe); Chris Penn (el hijo del jefe); Harvey Keitel (el señor blanco); Tim Roth (el señor naranja); Steve Buscemi (el señor rosa); Quentin Tarantino (el señor marrón); Eddie Bunker (el señor azul) y Michael Madsen (el señor rubio); forman el reparto de la película. Aunque algunos tienen una importancia relativa en el conjunto (el propio Tarantino o Eddie Bunker) logran una credibilidad en sus interpretaciones muy notable. Y son papeles que podían terminar en un despliegue histriónico de cada actor dadas sus características. El trabajo de Tarantino en la dirección de actores es magnífico.
El guión se mueve entre lo sarcástico, lo irónico, lo soez y (siempre) en el terreno de la inteligencia. No hay una sola frase accesoria. Todas están colocadas en el lugar exacto para que los personajes crezcan con una coherencia exquisita.
El montaje de la película se debería estudiar en las escuelas de cine como asignatura fundamental. Una película que podría quedarse anclada en la normalidad se convierte en una sorpresa constante gracias a ese montaje que acaba con la posibilidad de fuegos de artificio narrativos y con todos los pequeños defectos que no podía ocultar la linealidad.
Un clásico. Un peliculón. Una maravilla saber que algunos saben que la cara oscura del mundo existe y se puede convertir en arte.
© Del Texto: Nirek Sabal



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