sep 8 2011

September

September fue un desastre económico. Woody Allen nunca ha sido demasiado querido en su país y le esperan de mala gana. Si la película es un drama teñido, claramente, de ese color que aporta el cine de Bergman, que tanto le gusta al director y que tan poco entusiasma a los americanos, el resultado en taquilla y crítica es demoledor. Aunque tampoco gustó demasiado en Europa. No será la película que pase a la historia del cine como la mejor de Woody Allen.
Es verdad que los diálogos que establecen los personajes toman una dimensión demasiado elevada para lo que se cuenta. Una propuesta sencilla llena de frases excesivas no termina de funcionar. Y es verdad que los personajes se perfilan desde unas relaciones que, o bien se hacen inexplicables (el espectador no entiende lo que pasa cuando le falta una mínima dosis de información que aclare lo que sucede) o bien se presentan desde una perspectiva excesivamente superficial que tampoco ayuda demasiado a comprender. Todo eso es verdad. Tanto como que la lentitud de la película es excesiva. Demasiado interés por el interior de una casa que no termina de acompañar lo que Allen quiere contar.
Sin embargo, la película tiene cosas más que buenas. La fotografía es extraordinaria. Una parte, muy extensa, fue rodada sin apenas luz (una tormenta deja sin corriente eléctrica la casa en la que se desarrolla la trama) y la belleza visual es enorme. Los primeros planos de las actrices buscan destacar los rasgos que den fuerza al carácter del personaje. En fin, un inmenso trabajo fotográfico. La dirección de actores es sobresaliente. Algo habitual en el cine de Allen. Mia Farrow está bien. Aunque son Dianne Wiest y Elaine Strich las que destacan desplegando un lenguaje corporal extraordinario. Ellos; Sam Waterston, Jack Warden y Denholm Elliott; defienden sus papeles con facilidad. Waterston es el que parece menos convencido de ello. Y, por supuesto, la música de September es una delicia. Ya saben jazz clásico que gusta escuchar a cualquiera y que completa todo el conjunto. Títulos conocidísimos y elegidos con muy buen gusto.
Hay quien dice que esta película habla de la soledad, de esa que uno siente a pesar de estar acompañado por un ejército de personas. Yo no lo creo. Francamente, esa lectura me parece simplista y tópica. Quizás por ello la película gusta menos. September habla de la renuncia. Cualquier cosa que tenemos tuvo un precio que pagamos en su momento. Y la renuncia crea una falta, una ausencia de la parte que convierte en otra cosa nuestra vida. Por eso el título. Después del esplendor de la juventud, de la inocencia, llega el declive. El personaje que se contrapone a esta idea es el de la madre. Pero termina resultando que todo es una gran mentira.
September es una buena película. No es una obra maestra. Pero las buenas películas, sin ser comparadas, son eso, buenas películas. Que funcionen bien en taquilla es otro cantar. O que la crítica hable mal de ellas. Una buena tarde de cine con Woody Allen pilotando es siempre una de las mejores opciones.
© Del Texto: Nirek Sabal


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dic 15 2010

Los gritos del silencio

En la historia del cine existen cientos de películas que hablan sobre la guerra de Vietnam, circunscritas a aquel país. Curiosamente, existen infinitamente menos que traten la situación que se vivió en Camboya durante los años setenta. El conflicto en el sudeste asiático no sólo se centró en Vietnam sino que se extendió a todos los países que conformaron la antigua Indochina (Vietnam, Laos, Camboya). La guerra sobre Camboya fue especialmente cruel, la población civil sufrió enormemente con bombardeos continuos a los que les sometieron los vecinos vietnamitas del Sur junto con los estadounidenses. En Camboya, la práctica totalidad de la población vivía en el campo, en la jungla para ser más exactos. La poca operatividad del gobierno camboyano ante los furibundos ataques de los soldados de Vietnam del Sur y los EEUU, dio lugar a la aparición, de nuevo, de los Jemeres Rojos. Camboya se convirtió en un infierno. Aún hoy en día, si ustedes tiene la posibilidad de viajar a aquel país, se les avisará conveniente y repetidamente de la inconveniencia de salirse de las rutas marcadas, el suelo aún hoy, treinta años más tarde, se encuentra poblado de minas que, sistemáticamente, continúan mutilando a la población civil y podrán comprobar cómo la recuperación del país, aún hoy, no ha sido posible.
Una de las pocas películas que nos explican que se cocía en la  Camboya del conflicto bélico de los años 70, fue Los gritos del silencio de Roland Joffé. Esta película se basó en unos reportajes que años antes habían aparecido en el New York Times.
Syd Schanberg (Sam Waterson) es un periodista del New York Times destinado como corresponsal de guerra en Camboya. Desde su llegada trabajará mano a mano con Dith Pran (Haing S. Ngor) un joven camboyano que le hará las funciones de intérprete y de guía. Los contactos del segundo y el conocimiento de lo que se cuece en el país le proporcionan al periodista valiosas informaciones que le permiten enviar  una excelente cobertura del conflicto.  Uno de los hechos que cubren en exclusiva el bombardeo de un poblado por los norteamericanos, un ataque a un lugar equivocado. Los únicos periodistas que presencian la masacre son Syd y Dith Pran. Los ataques terroristas de los Jemeres Rojos empiezan a dominar el país. La relación entre el periodista y el intérprete se irá estrechando a medias que van sufriendo el avance de la guerra. La familia de Pran es evacuada pero él decide continuar junto al periodista para que éste pueda continuar cubriendo la guerra. El asedio de los terroristas convierte a la capital camboyana en un auténtico campo de refugiados para la población falta de toda información. Los periodistas intentan refugiarse en las embajadas. Syd y Dith Pran lo harán en la embajada inglesa donde coincidirán con el fotógrafo estadounidense Al Rockoff (John Malkovich). Una situación completamente desbordada en la que la población civil intenta encontrar refugio en las embajadas sembrará el caos en la ciudad de Phnom Phen. El desastre está servido y cuando empieza la evacuación de los periodistas, las autoridades de ejército revolucionario que controla el país, impedirán que Pran pueda abandonarlo. Las penalidades por las que pasarán uno y otro, terminará con un reencuentro entre los dos que, pese a lo sufrido se reconocerán como amigos.
Una película sobre unos hechos reales, donde lo visual y lo tramado a lo largo de una historia brutal, te mantiene pegado a la silla con la sensación de que el hombre es un animal salvaje que no ha aprendido nada en los miles de años de su existencia. Los actores están soberbios, sobre todo, (Haing S. Ngor), un actor amateur. Es, posiblemente, la mejor interpretación de todo el film, quizá porque el mismo vivió en primera persona los horrores de la guerra y el campo de refugiados. Existen momentos de gran intensidad dramática sin caer en lo folletinesco. Puede considerarse una película fundamental para acercarse, desde el punto de vista cinematográfico, a uno de los conflictos bélicos más sangrantes del siglo XX que se prolongó mediante el régimen del terror de Pol Pot.
La banda sonora compuesta por Mike Oldfield ha pasado a la historia aunque en su momento, por la mezcla entre la música típica camboyana, mezclada con elementos electrónicos, no terminó de gustar a todo el mundo. Al parecer tras esta incursión de Oldfield en el mundo del cine, con sus aportaciones musicales, no le quedaron demasiadas ganas de volver a intentarlo tras las nefastas críticas recibidas. Sin embargo, a mí me parece una banda sonora estupenda, fuera de lo corriente que no ha sido valorada como debía. Si algo debería eliminarse, en cuanto a música se refiere, es el tan manido Imagine de John Lennon; no le hace justicia a una película que huye de los tópicos y (que me perdonen sus fans) Lennon no deja de ser un tópico de aquellos años.
La fotografía es espectacular pero, eso, en Camboya, no es difícil. Las escenas más dramáticas o las que se centran en el conflicto son casi un documental  y, también en este caso, es realmente buena, muy potente
Si les gusta el cine sobre periodismos, conflictos bélicos, relaciones humanas, no dejen pasar esta película; es fundamental, que no les acobarde las más de dos horas de duración, les aseguro que bien vale la pena.
© Del Texto: Anita Noire


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dic 11 2010

El gran Gatsby: Un desastre lleva a otro mayor

Una mala lectura de una novela provoca que el lector no se entere de nada. Si da la casualidad de que ese lector se dedica a la adaptación de novelas para hacer películas de cine, el efecto se multiplica considerablemente, puesto que nadie se entera de nada. Desde luego, Jack Clayton hizo su película sin tener en cuenta lo que quiso decir F. Scott Fitzgerald en su novela (El gran Gatsby es una obra maestra convertida por muchos y muchas veces en una novelucha). Se parecen poco relato y película. Pero poquito, poquito. Alguien podría decir que eso es cosa normal, que cada cosa es independiente de la otra. Y es verdad. Pero la cosa cambia cuando te venden la cosa como la adaptación definitiva, cuando existe una clara vocación  (en esa película) de plegarse al original. Lo intentan, pero todo sale mal.
Hay que resaltar un par de aspectos (por ser económico, ya que podría estar escribiendo sobre esto durante horas) que hacen de la narración de F. Scott Fitzgerald un desastre si no se manejan con solvencia.
Por un lado, el narrador (Nick). El punto de vista es fundamental en la literatura. La intención de la voz es lo que orienta el conjunto. Desde la primera línea, el rumbo de la narración queda marcado si elegimos un narrador personaje, que sea objetivo o cualquier otro aspecto. En esta novela, Nick ofrece un discurso que esconde mucho detrás de lo que dice. Es tan importante lo que no enseña que resulta absurdo no tenerlo presente. Por ejemplo, el campo semántico que se encuentra junto a lo que tiene que ver con la condición sexual propia y de otros personajes se omite. Ni una sola palabra en toda la narración puede darnos pistas de forma explícita sobre este aspecto. Pero un buen lector, alguien que quiere llegar más allá de las palabras, descubre muy pronto que eso obedece a una intención clarísima. El momento en que podemos estar seguros de lo que sucede es durante la fiesta en el apartamento de Tom. Se nos presenta eso de lo que Nick no quiere hablar como un hallazgo que hace deslizarse al relato hacia territorios de gran excelencia literaria. Y eso que descubrimos es la homosexualidad del narrador. Más adelante comprobamos que esa intención le sirve para proteger su intimidad y la de otros personajes (no desvelo más). Esto en la película no aparece ni por asomo, claro. Y las consecuencias son enormes. Las historias no se parecen en nada.
El otro aspecto al que quiero referirme y que vacía la película de todo el contenido con el que Scott Fitzgerald había armado su relato es el famosísimo cartel que vemos en la carretera frente al negocio de Wilson. Ya saben, ese cartelón semidestruido que anunciaba los servicios de un dentista. Un gran dibujo representando unas gafas, unos ojos y anunciando el nombre del doctor. Aparece en novela y película. Una lectura errónea y moralista puede llevarnos a pensar que eso representa la mirada de un Dios que todo lo ve. Pero eso es, sencillamente, un disparate. En la novela representa la voz narrativa; si quieren suavizar algo esta afirmación, representa la labor del escritor. Ver a Dios en ese cartel es convertir el trabajo de Scott Fitzgerald en algo pequeño y sin importancia. Pero claro, estamos hablando de los norteamericanos. Suelen hacer estas cosas dado el nivel de estupidez moral que han desarrollado desde hace mucho tiempo. Por supuesto, en la película nos encontramos con esta lectura.
En fin, cualquier parecido entre la película y la novela es fruto de la casualidad. En este sentido, el desastre es absoluto. Pero alguien podría decir que soy injusto al fijar la atención en esto y no en otra cosa porque, al fin y al cabo, la película en sí misma es una realidad independiente, autónoma, respecto de la novela. Como eso es cierto, vamos con la película.
Jack Clayton nos enseña lo que era la sociedad burguesa que residía en Nueva York de los años posteriores a la Gran Guerra. No hay otra cosa. Es cierto que lo hace apoyándose en una historia de amor entre sus protagonistas: un gángster hortera podrido de dinero y una imbécil de tomo y lomo que pertenece a una familia adinerada (él es Gatsby (Robert Redford) y ella Daisy (Mia Farrow)). Todo está contado desde el punto de vista de Nick Carraway (vecino de Gatsby y que interpreta Sam Waterson), aunque el director lo modifica porque no tiene más remedio cuando quiere centrar el objetivo en hechos puntuales (el asesinato de Gatsby, por ejemplo, que, posiblemente, es de las pocas cosas que pueden salvarse de la película). Desde el principio, todo es brillante (el uso excesivo de filtros hace que hasta los dientes de los personajes tengan un brillo insólito). Esa luminosidad va desapareciendo a medida que la tragedia se acerca. La gente baila, bebe y, sobre todo, se aburre con los bolsillos repletos de billetes. Mucho dinero, poca inteligencia, poca reflexión. Fiestas, infidelidades, traición, estupidez, muertes casi obligadas (ya saben, la moral y esas cosas). Poco más.
Las interpretaciones son correctas. Mia Farrow haciendo de imbécil queda de lo más creíble. Robert Redford haciendo de imbécil con pistola queda de lo más soso. La puesta en escena que logra Francis Ford Coppola es lo mejor de la película junto al vestuario. De hecho es lo único que tiene bueno en su conjunto. El resto hay que buscarlo aquí y allí. Porque la banda sonora es muy floja. Las piezas que se toman prestadas están gastadas y se convierten en una partitura que hace juego con Gatsby. El guión va de lo excesivamente literario (la voz en off que corresponde a la narración de Nick es literal de la novela) a lo excesivamente idiota (esto hace juego con Daisy). Si los personajes evolucionan algo es gracias al clima que se genera con esa puesta en escena a la que me refería. Desde luego, los diálogos no les hacen avanzar. Es lo malo de hacer trozos una novela y colocarlos entre ojos brillantes y gilipollez.
La novela de Scott Fitzgerald mal leída se convierte en un tostón. Eso se lo garantizo a cualquiera. La película de Jack Clayton es una lectura horrible de esa novela. Garantía de por vida. El uso elegante y preciso de una cámara no convierte en algo bueno un auténtico disparate.
© Del Texto: Nirek Sabal


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