sep 9 2013

Cinema Paradiso: Amor por el cine

Si algo es capaz de unir a las personas una vez, podrá serlo mil veces.  Estará desbaratado, olvidado, liquidado; pero estará, en algún lugar estará aguardando su oportunidad. Tan sólo hay que buscar con cariño, olvidando cualquier cosa que distorsione el recuerdo.
Giuseppe Tornatore ama el cine. Cinema Paradiso es, entre otras cosas, la muestra de ello. Porque el amor no se puede fingir y esta película rebosa pasión, un cariño inmenso, por los cuatro costados.
Tornatore escribió un guión estupendo y entregó una película deliciosa que habla del cine como elemento común para los habitantes de un pueblo entero; como canalizador de amistades, romances y toda clase de experiencias. Pero también enseña los códigos internos propios del cine que se instalan en la vida del espectador, de cualquier espectador, sea cual sea su condición. Tornatore habla del cine como forma de entender el mundo, como posibilidad ante una vida llena de dificultades. Y es que la magia nos permite elegir caminos que ni siquiera existían antes de pisarlos por primera vez.
La fotografía de Blasco Giurato es preciosa. Busca, siempre, el brillo en todas las escenas; un brillo que termina apareciendo pase lo que pase. Y la partitura de Ennio Morricone es una obra maestra. Emocionante, profunda, impecable. Por supuesto, la dirección de Tornatore es excelente, delicada hasta el extremo. El trabajo que hace con Salvatore Cascio es espléndido. Los niños actores son difíciles y, en esta película, todo parece sencillo, natural, casi obligado. Philippe Noiret, Jacques Perrin y Marco Leonardi defienden sus papeles con una soltura inmejorable. Tornatore deja su sello personal en cada escena, en cada encuadre, en un movimiento de la cámara que apenas se nota. Impecable.
Cinema Paradiso narra la historia de una amistad y de una pasión, del amor y de la fidelidad con uno mismo. Alfredo (Noiret) es el encargado del proyector en el cine de un pequeño pueblo italiano. Salvatore (Cascio, Leonardi, Perrin; niño, joven, adulto) es un niño emocionado con el cine. Su vida se llena con todo lo que sucede en la sala de proyección aunque intuye que es en la sala del proyector donde está su sitio. Alfredo, tras muchas negativas, accede a que el niño le acompañe mientras trabaja. Se forja, así, una vocación, una profesión y una amistad. Mientras, el pueblo va evolucionando con el cine como punto de reunión, como lugar en el que todo pasa y todo es posible. Lo real y lo ficticio que se agarra y se integra a lo cotidiano.
La tensión narrativa mejora con el paso de los minutos. Y el tramo final es emocionante a más no poder. Si el espectador termina con lágrimas en los ojos no es extraño. Aunque no serán producto de la sensiblería o del ataque a la zona más lacrimógena. No, serán sinceras porque llegan de la emoción que es capaz de despertar el director italiano. Cuando algo es auténtico nada se puede criticar.
Otra de las zonas de interés narrativo la llena la historia de amor que Salvatore (ya es un jovencito) vivirá con la que él cree que es la mujer de su vida. No terminan formando una pareja. El romance se hace eterno arropado por el silencio del protagonista. Del mismo modo, vivirá la amistad de su vida; la que forjó con Alfredo que este instala en la distancia intentando que el futuro del joven sea el mejor. Sin embargo, el protagonista no renuncia a nada de ello. De nuevo aparece lo auténtico en escena. Nada de lo auténtico es intercambiable. Tornatore no duda en enviar mensajes sólidos y claros.
No faltan en la película escenas con una carga implícita importante. Hay detalles que hacen evolucionar la trama vertiginosamente, detalles que justifican las elipsis con una elegancia pasmosa. Presten atención a las escenas en las que Tornatore centra su atención en el personaje principal y en las anclas oxidadas que descansan en el muelle. Primero una, luego decenas. El mundo cambia, el tiempo corre, las personas emigran a las grandes ciudades; pero en el cine eso puede ser reducido a un instante. Es magia. En Cinema Paradiso todo es emotivo, reflexivo, evocador.
La película es deliciosa; un homenaje al cine, a su magia y a nuestra capacidad para dejarnos arrastrar por ese poder de convicción que sólo la ficción es capaz de aportar a nuestras vidas. Si no la han visto ya, no tarden en hacerlo. Si ya la vieron, vuelvan a hacerlo. En cualquier caso, es una experiencia exquisita.
© Del Texto: Nirek Sabal


jul 8 2013

La mejor oferta: Peligroso aroma a conocido

La mejor oferta, nueva entrega de Giuseppe Tornatore, recuerda a otras cosas. Y esto la convierte en previsible desde el principio, esto hace que el guión apeste a lo ya contado anteriormente. Incluso la música de Ennio Morricone recuerda peligrosamente a la que se escuchó en la magnífica Once Upon A Time In America.
Que la excelente factura de la película convierta los 124 minutos de proyección en un espectacular despliegue técnico, no libra al trabajo del señor Tornatore de un aprobado y poco más.
La mejor oferta es una lectura moderna y ajustada del Don Pasquale de Donizetti y su libretista Ruffini (no son los primeros aunque, seguramente, los más famosos que enfrentaron este asunto). La vejez como debilidad ante la belleza de todo tipo; la juventud insolente y lejana a la compasión; la burla del joven ante el viejo. Ya estaba contado y es asombroso lo poco que el relato de Tornatore se aparta de lo que ya es sabido. Desde el primer momento, se intuye cada paso que se va a dar. Además, en el desarrollo dramático aparecen demasiadas cosas que vacían de credibilidad el argumento. Por ejemplo, la cena a la que el protagonista invita a su amigo para que permanezca oculto (a pesar de la resolución se hace increíble). Hay algún intento de crear imágenes metafóricas que se quedan a medio camino. Por no ser potentes o por explicitar inútilmente algún asunto que ya está desarrollado. Sirve de ejmplo, también, un autómata que va creciendo al mismo tiempo que el personaje femenino y la relación con el principal masculino (las piezas que se van encontrando, se van ensamblando) y, de paso, sirve para decir al espectador que el aspecto más egoísta y falto de escrúpulos del personaje siempre estuvo (carga de moralina endeble). Metáforas fallidas, innecesarias y estériles.
Todo está muy bien fotografiado por Fabio Zamarion; eso es verdad. Los encuadres son estupendos o necesarios. También es cierto. Las interpretaciones están a muy buen nivel. Sobresale la de Geoffrey Rush que se encarga de soportar el peso del relato. Donald Sutherland defiende bien un papel muy menor. Jim Sturgess y Sylvia Hoeks algo desaprovechados. Pero, aunque todo está en su sitio, el guión hace aguas por conocido, por ser algo pretencioso en fases concretas, por sensiblón, por mirar el mundo del arte desde una superficialidad casi insultante, por excesivo en su medida al intentar contar todo buscando atar todos los cabos. Y todo esto en cine no funciona y es muy peligroso.
En cualquier caso, no hay que dejar de ver La mejor oferta. Las tramas (una romántica y otra buscando un suspense inexistente aunque resultona) pueden entretener durante un par de horas. Tal y como están las cosas, puede llegar a ser suficiente. Ahora bien, están ustedes avisados. Luego no digan que no fueron advertidos.
© Del Texto: Nirek Sabal


sep 22 2011

Baarìa: Desastre a la italiana

La ventaja del formato televisivo para el que hace películas es que una serie puede dilatarse en el tiempo formando las famosas temporadas. Es una ventaja porque los personajes pueden evolucionar con solvencia ya que la medida del metraje es mucho más amplia que la de una película de cine convencional. En formatos distintos al cine las reglas del juego son otras y otras son las técnicas narrativas y cinematográficas. Con esto quiero decir que si un director desea contar en dos horas una historia monumental, o es un genio de la economía narrativa, o el fracaso ronda el trabajo desde el principio. Y la introducción de elementos fantásticos o mágicos en una trama que no es de género no soluciona el asunto. No vale decir que las cosas son como no son.
Baarìa es una película de altísimo presupuesto y de muy bajo rendimiento. Mucho ruido y pocas nueces. Y lamento decir esto porque Giuseppe Tornatore me parece un buen director. Se salva la banda sonora de Ennio Morricone porque es estupenda. El resto es un intento de contar lo imposible; un gran error que trata de salvar las carencias del guión con unas elipsis delirantes e incomprensibles; una muestra más de que los muebles se salvan sólo si es posible y que la emoción facilona para maquillar no es capaz, por sí sola, de rescatar nada. Un desastre monumental muy a la italiana, es decir, entre el caos más absoluto. Decepcionante de principio a fin.
Tornatore quiere repasar la historia reciente de Italia (de 1930 a 1980) manejando tres generaciones de una familia de Palermo. Ese no es el problema. Muchos ya lo han hecho con buenos resultados. Es que además inserta subtramas que inundan la acción y que, encima, no termina de rematar. Ni deja resuelta la principal ni las secundarias. Anunciaron la película como inteligente y divertida. En realidad, es simplona y un tostón.
Actores y actrices se esfuerzan en estar a la altura que corresponde. Sólo Ángela Molina lo logra. El resto queda, efectivamente, a la misma altura de la película. En tierra de nadie, en el limbo de la mediocridad. Sobreactúan, gesticulan inútilmente y vivien dentro del tópico italiano. El cine italiano está muy lejos del tópico italiano.
Sí está logrado el vestuario y los escenarios son muy vistosos. Por supuesto, no es suficiente. El continente soporta al contenido, eso es verdad, pero si no hay nada que soportar, el problema se hace irresoluble.
Lo de los diálogos en esta película es para escribir un manual sobre lo que no debe hacerse nunca. Tal vez sea cosa del doblaje aunque me extraña. Se construyen buscando una sonrisa que no llega porque lo repetido y sabido de sobra suele funcionar mal. Es casi histérico el discurso de los personajes y no acompaña bien la evolución que se muestra en pantalla. Digo evolución por ser generoso. Frases ramplonas, muchas veces fuera de tono, simples y vacías.
Desde luego, la película no pasará a la historia del cine como algo maravilloso. Entre otras cosas porque jugar a la magia para excusar la falta de verisimilitud destroza cualquier propuesta. Ni siquiera la música de Morricone alivia este desastre a la italiana. Ni siquiera la campaña de marketing (inmensa, por cierto) puede hacer rentable lo que no es bueno. Y, por supuesto, la firma de un buen director, sin nada detrás, ya no engaña a nadie.
© Del Texto: Nirek Sabal


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jun 15 2011

La Misión: Mucha cáscara para tan poco huevo

Es muy común (mucho más de lo que parece) que los profesionales del cine y la literatura cuenten poca cosa, pero que adornen el asunto de modo que el producto final quede más bonito que un San Luis. Es decir, un continente espléndido y un contenido cutre. En cualquier caso, el milagro se produce. Con una idea o dos como mucho se monta un espectáculo llamativo que logra premios y un gran éxito en la taquilla o en las librerías.
Es el caso de la sobrevalorada película de Roland Joffé, La Misión, que llena de diálogos pomposos, personajes desdibujados y propuestas que se quedan en la superficie termina dejándose ver gracias a la puesta en escena (eso no está nada mal), un vestuario muy cuidado, la fotografía de Chris Menges (excelente y apabullante) y la impresionante banda sonora de Ennio Morricone. La defensa que hacen de sus papeles Robert de Niro y Jeremy Irons es más que notable, pero aquí nos topamos con un problema grueso. Por más que ponen de su parte no logran sacar adelante a los personajes puesto que están más vacíos que otra cosa. Todo lo que hacen o lo que piensan (poco) se encuentra en esa frontera tan peligrosa que marca la falta de justificación y la imposibilidad de comprensión por parte de los espectadores que se ven obligados a imaginar lo que nadie dice ni sugiere. A esto hay que sumar un pequeño desastre narrativo que se encuentra desde las primeras escenas y se agrava a medida que avanza la acción. Joffé elige un punto de vista que no le sirve para narrar lo que quiere. El director, ni corto ni perezoso modifica esa voz narrativa cuando le parece y de una forma casi grosera. Es casi un insulto al espectador tratar de ocultar este tipo de cosas detrás de una fotografía espectacular o cualquier elemento técnico que puede ser fascinante y engañoso al mismo tiempo.
La propuesta de La Misión consiste en presentar al ser humano como destructor del medio ambiente, de culturas, de sí mismo, allá donde esté. Consiste en contrastar la fe y la espada, la bondad y la maldad que llegan de la misma mano disfrazada con hábitos o armaduras. Pero la propuesta se queda en eso, en lo que acabo de decir, sin profundizar lo más mínimo. Y, por supuesto, eso es una cosa enana y ligera. Ahora bien, la selva se ve en todo su esplendor. Ahora bien, mueren niños y mujeres para que la cosa se ponga tensa. Ahora bien, la película se deja ver aunque no pensar. No hay nada que pensar. El hombre es muy, pero que muy malo. Nada nuevo ni sorprendente. Ni siquiera aprovecha este director la oportunidad para profundizar un poco en lo que fueron esas culturas exterminadas.
Un jesuita bueno intenta salvar a los indígenas de la esclavitud. Un hombre malo que dedica todos sus esfuerzos a conseguir esclavos para los señores españoles y portugueses se convierte en jesuita y, por tanto, en un ser muy bueno. Cuando las misiones de estos frailes se ven amenazadas, el malo que ahora es bueno, agarra la espada y decide defender la obra como sea (es que mató a su hermano y es capaz de todo con ese expediente). El jesuita que siempre lo fue sigue a lo suyo. Bondad y eucaristía. Y, claro, cuando llegan los soldaditos, allí no queda ni el apuntador. Ya sé que este resumen podría haberlo hecho Holden Caulfield, con la misma mala leche. Pero no he podido evitarlo. Más que nada porque no hay más.
Es esta una película que, sin tanto alarde técnico y una interpretaciones sobresalientes, estaría condenada a no ser nada. Pero, sin embargo, nadie puede olvidar la música de Morricone, nadie puede olvidar esas escenas de una selva imponente, nadie puede olvidar a De Niro arrastrando su penitencia que terminará siendo la causa de su propia muerte.
Una enorme cáscara de huevo de avestruz. La clara y la yema de un pollo minúsculo.
© Del Texto: Nirek Sabal


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ene 26 2011

Keoma: El final del spaghetti western

Keoma es el último gran exponente de ese subgénero que encandiló en la década de los 60 y 70, surgido en Italia y conocido por todos como el spagetti western, era una visión alejada de la narrativa perfeccionista hollywoodiense de héroes con el pecho más grande que cualquier otro, de discursos fascitoides, de trajes que no se ensuciaban, de damas incorruptibles y artificiosas. Una visión que se acercaba más a la verdad, una realidad sucia donde los buenos no son tan buenos ni los malos unos cabrones sin remedio, donde la porquería llegaba a ser poesía; donde la muerte, violencia y el sexo estaban a la orden del día, porque esto último es lo que nos hace humanos. Sexo, amor, violencia, sangre y muerte.
Con este western asistimos al cierre de una etapa del cine con mayúsculas, una larga trayectoria con un largo desarrollo y evolución en la que quedarán grandes hombres, grandes nombres y grandes gestas que contribuyeron a crear todo un lenguaje cinematográfico desde que empezó este género con Asalto y robo a un tren de Porter a principios del siglo pasado pero que a día de hoy son ignoradas por el sector más joven. ¿Una del oeste? Vaya tostón ¿no? es lo que llevo escuchando toda mi vida. Pero aquí estoy, hablando de una obra maestra como Keoma, interpretada por el mítico Franco Nero y dirigida por el irregular Enzo G. Castallieri, uno de esos directores como Sergio Corbucci que nacieron a la sombra de la leyenda de Sergio Leone, los cuales trabajaron en sus películas. Sin embargo, Enzo va un paso más allá de la espectacularidad y la sobriedad aportada por Leone, aplicando un lenguaje próximo al surrealismo en lo concerniente a los flashbacks (brillantemente introducidos) que tiene nuestro protagonista, tomando incluso elementos cercanos al cine de terror más clásico y sabiendo lo que tenía entre manos, una obra que marcaba ya el final de una etapa acentuándolo en el tono de la película con ese viento susurrante, casi de tormenta que todo se lo lleva; con unos personajes que están condenados a morir desde el principio; con esa evocación al pasado donde todo fue mucho mejor; con esa recreación de la muerte a cámara lenta; con esa destrucción palpable de todo el entorno, en definitiva, un experimento crepuscular que dio pie a una maravilla del séptimo arte, tanto a nivel de realización, como de fotografía y dirección de actores. Una de esas obras de las que no se oye hablar, pero que son parte de la historia.
Pero ¿de qué va el argumento?
Cierto, no he hablado de ella en lo concerniente al guión ni he querido destripar gran cosa, porque lo que quiero es que la consigan ver por el medio que sea, que la disfruten como yo, sin saber de qué iba y a lo mejor, quizás, se sorprendan. Seguro que no se arrepienten. Muchos diréis pero si aún se hacen westerns. Sí, es verdad y no negaré que desde Sin perdón de Clint Eastwood el género está volviendo poco a poco y lentamente, o que incluso en los últimos films de Tarantino se dejen notar ciertas influencias spaguettianas, pero salvo contadas excepciones, es un género muerto, que apenas da pie a la experimentación, enclaustrado ahora en un cierto existencialismo en sus argumentos. No, yo no quiero eso. Si me dan a elegir prefiero el spaghetti western más puro, aquel de las frases lapidarias, de la suciedad palpable, de los duelos a muerte bajo el sol, el de la música de Ennio Morricone. Ya no molan los tipos duros de noble corazón. Ahora se llevan los hombres lobos depilados con azúcar en cada palabra que sueltan por la boca. Qué lástima.

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