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Los vengadores: Épica, humor y acción

admin — Wed, 16 May 2012 21:26:28 +0000

No podía ser de otra forma. La película dirigida por Joss Whedon es divertida, está llena de una acción deslumbrante, de algunos diálogos más que notables; y de actores estupendos que se creen lo que hacen, que se les nota disfrutar con sus personajes. Hay momentos en los que la carcajada del espectador no puede reprimirse. No hay que olvidar que un grupo de tipos (alguna señorita también) se visten con unos trajes completamente absurdos, se mezclan con seres interplanetarios que son una especie de dioses y se lían a guantazo limpio con los malos entre los que se encuentran seres extraterrestres. Si alguien quisiera hacer en cine algo serio con esto sería un auténtico loco. Todo se mezcla. Épica, humor y acción. Incluso algún asunto profundo. El diálogo entre la Viuda Negra y Ojo de Halcón es un ejemplo de ello.
La cosa podría parecer sencilla sin serlo. Alguien podría pensar que juntar a un grupo de superhéroes es garantía de éxito. Sin embargo son muchos personajes (hay que sumar alguno que no tiene nada que ver con poderes, martillos o escudos). Y muchos actores. Lo difícil es que alguno no sobresalga sobre otro o que alguno se quede en nada dentro del conjunto de la película. El director es muy hábil y consigue que cada uno tenga su puesto, sus momentos brillantes, sus frases bien construidas y sus chistes de calidad. Si añadimos que este grupo de profesionales se lo pasa bomba al rodar (se nota a la legua), el resultado, como ya he dicho, es fascinante. Lógicamente, no estamos hablando de gran cine aunque sí de muy buen cine.
No desvelaré nada de la trama. Ya saben los buenos son muy buenos, los malos son el mismísimo horror. Y se dan leñazos a base de bien. El final tampoco hace falta que se lo sugiera. Ya lo saben. Eso sí, diré que la historia está muy bien contada. Es posible que los aficionados al cómic partan con mucha ventaja con respecto a otro tipo de espectador. Pero no me parece que sea una película estrangulada en ese sentido. Si bien es verdad que un par de señores mayores aguantaron en la sala quince minutos (ni uno más), también lo es que mis dos hijos pequeños (tampoco han leído cómics de Marvel y son muy pequeños) aguantaron la película boquiabiertos y ya tienen superhéroe elegido para jugar a estas cosas del bien y del mal. Muy entretenida y, sin ánimo de exagerar, con un punto de emoción que no se oculta.
Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Mark Ruffalo, Samuel L. Jackson, Clark Gregg y Tom Hiddleston forman parte del reparto de la película. Están muy bien todos. Algo más torpe con las armas la señora Johansson. Debe ser que no jugaba con ellas siendo niña, pero tampoco está mal. Ni uno de ellos se dedica a perder el tiempo delante de la cámara. Uno llega a pensar que se creen superhéroes en algún momento delante de la pantalla. Y eso es de agradecer. Robert Downey Jr. es el que destaca algo sobre los demás aunque su papel es el más vistoso de todos. Todo hay que decirlo. El caso es que defienden sus papeles con gran credibilidad.
Es evidente que, dado que la película se carga de acción trepidante y luchas sin cuartel, los efectos visuales y especiales son de gran importancia. En este caso son, además, de gran calidad. Entusiasman a cualquiera por su perfección. El espectador, a pesar de la rapidez con la que se desarrolla cada escena, sabe lo que está sucediendo en cada momento. Las escenas son claras y dejan ver los movimientos sin formar barullos.
Maquillaje, peluquería y vestuario muy cuidados. La fotografía también aunque no sea, ni mucho menos, lo mejor de la película (creo que esto ya lo sabía medio mundo que iba a ser así).
Y, tal vez, lo más importante de todo. Aunque en este tipo de películas suele prevalecer la imagen, la puesta en escena (impecable, por cierto) y todo lo que tenga que ver con el espectáculo; el mensaje es especialmente agradable. La amistad, la identidad de las personas, el esfuerzo colectivo, la disciplina, la capacidad de sacrificio y alguna cosa más que aparece de forma tangencial, se manejan durante todo el metraje como elementos fundamentales si se quiere triunfar, si hay que pelear por algo importante. Traído desde los cómics es un mensaje que nunca falta en estas producciones de Marvel y se agradece mucho que así sea.
Más de horas de cine. Más de dos horas de diversión. Una película para todos los públicos. Una opción estupenda para pasar la tarde en el cine. No se la pierdan. Es posible que soporte mucho peor el formato casero.
© Del Texto: Nirek Sabal

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El mundo según Barney

admin — Tue, 15 May 2012 15:44:40 +0000

Cuando, en cine, decides contar algo hay que tener clara una cosa: qué quieres contar. Esto, que parece algo obvio y necesario, se lo salta a la torera casi todo el mundo. Por eso encontramos películas anunciadas como comedias que terminan siendo dramas lacrimógenos (no porque la historia lo demande sino porque es la salida más facilona para enganchar al espectador en un último intento a la desesperada), por eso encontramos películas en la que el narrador cambia sin venir a cuento (no para aportar un punto de vista distinto sino porque la elección fue errónea y hay cosas que el narrador elegido no puede contar), por eso hay películas que nos dejan fríos como témpanos de hielo (por ejemplo, cuando los personajes son tan planos que no permiten una mínima empatía con ellos). Contar una historia no es contarlo todo; es contarlo bien. Lo justo. Ni más ni menos. Con los materiales narrativos adecuados, con diálogos que lleven a alguna parte, con un punto de vista sólido y esas cositas.
El mundo según Barney es de esas películas que nunca entenderé. Supongo que la idea es mostrar un mundo desde una mirada (la del personaje) y todas las caras de ese mundo cuando el personaje (que es narrador) va mostrando sus evoluciones, sus cambios. Tal vez esa era la idea. Pero la cosa se queda en una narración lineal de la historia de los tres matrimonios del protagonista con la inclusión de una trama policial muy poco importante y un final que busca la lágrima fácil por la vía de la enfermedad y la muerte. Si el personaje debería ser lo fundamental, de principio a fin, se queda en pura anécdota. Si las tramas secundarias deberían ser iluminadoras de la principal y la herramienta explicativa de lo implícito, se quedan en historias poco y mal trazadas, del todo prescindibles. Si el punto de vista debería aportar diferentes caras de una realidad poliédrica no se consigue una voz ni mínimamente interesante aunque sí simpática. Vamos, dicho de otra forma, que esta película es una chapuza importante.
Paul Giamatti, actor principal, defiende bien el papel. Esta es una de las pocas cosas buenas de la película. Dustin Hoffman no está mal aunque su papel es más secundario de lo que podría parecer. Rachelle Lefevre, Minnie Driver y Rosamund Pike (las tres esposas de Barney) acompañan al protagonista sin aportar gran cosa. Para ser justo diré que Pike está por encima de sus compañeras.
La dirección de Richard J. Lewis es flojita. Intenta adaptar una buena novela (la de Mordecai Richler) convirtiendo el texto original en una maravilla si lo comparamos con el libreto.
El resto de elementos técnicos pasa desapercibido. Lo único que se puede señalar es la banda sonora que no está del todo mal aunque los temas (buenos de forma independiente) están llevados un poco de los pelos para formar un conjunto algo desigual.
El gran problema de esta película es que el personaje, aunque parezca otra cosa, comienza en un punto y termina en el mismo. O muy pegado a él. Nos intentan convencer de lo contrario metiendo subtramas, sin ton ni son, aunque sin ningún éxito. Si a eso le añadimos una duración excesiva, El mundo según Barney se convierte en una película entretenida y de las que no dejan huella; de esas que cuando se acaban no pasa nada. Y es una pena porque la esencia podría dar mucho más juego, porque con un poco más de imaginación se podría abrir un mundo entero en el que todo importase. No es así.
Muy decepcionante.
© Del Texto: Nirek Sabal

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Blancanieves (Mirror, mirror): De traca

admin — Sun, 13 May 2012 17:44:57 +0000

A mí que me estafen siempre me sienta fatal. Y hoy, me han estafado por partida doble. He pagado por ver un truño espectacular y he pagado un dineral por acompañar la primera estafa de unas palomitas y unos refrescos de cola vendidos a precio de oro. Así que, como lo que voy es a echar pestes durante un rato, tanto como lo que me dure el texto que pienso escribir, si quieren pueden quedarse aquí.
Tarde de sábado, dos fieras que ventilar, de siete y cinco años, y la ocurrencia de acercarnos al cine a ver Blancanieves, también llamada Mirror, mirror, espejito, espejito. El bodrio en cuestión, una versión libre de la archifamosa Blancanieves de los Hermanos Grimm, dirigida por Tarsem Singh (de ahí el simulacro de bailecito a lo Bollywood tras el matrimonio entre un principito más guapo que un San Luís y la sosísima SnowWhite), protagonizada por Julia Roberts (la madrastra malvada), Lily Collins (Blancanieves), Arnie Hammer (Principe Alcott, que no se lo pierdan viene del Reino de Valencia – será por eso que la película es de traca), y junto a ellos un montón de enanos, tantos como siete que, no se vayan a pensar son buenos y laboriosos trabajadores en una mina, sino unos bandoleros dignos de formar parte de la banda de los de Norfolk, ya saben , de los de Robin Hood.
En cuanto al argumento, pues como les digo, una versión extraña del cuento, sin chispa, sin gracia, sin nada de nada que, de hecho, me ha hecho cabecear un rato y descansar de una ajetreada jornada de sábado. Sin embargo y pesar de todo, algo debe tener; las dos criaturas que devoraban las palomitas a puñados no han rechistado en las casi dos horas que dura la película más que para preguntar cuándo Blancanieves pensaba comerse la manzana (esa que no se va a comer), cuándo se iba a quedar dormida en el bosque (que tampoco), mientras yo cabeceaba y pensaba en una isla del Egeo en la que perderme en cuanto las cosas se me pongan a tiro.
Y ahora, mientras recuerdo la película, los enanos, la insulsa Blancanieves, la inexpresiva mirada de Julia Roberts, el tontineti del príncipe, sigo pensando que es una estafa y que lo mejor de todo ese bodrio envuelto de superproducción es el estupendo vestuario con el que se disfrazan estos personajes de folletín de la mano de Eiko Ishioka (cuyo nombre anoto un pañuelo de papel, a oscuras, mientras leo los títulos de crédito.
Una estafa de diseño y poco más.
© Del Texto: Anita Noire

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Una noche en la ópera: La mejor de las referencias

admin — Thu, 10 May 2012 18:49:52 +0000

Hacer reír a otro, no sólo sonreír, sino provocarle una sonora carcajada no es algo sencillo y menos en los tiempos que corren. El humor inteligente que excluye el gesto grosero, el insulto o la exaltación de las carencias de otro, no son fáciles de encontrar. Sin embargo, hubo un tiempo, hubo un modo de hacer cine donde eso fue posible. Las películas de los Hermanos Marx son una buena muestra de ello.
El disparate organizado que fluye desde la desorganización y el caos más absoluto para volverse a organizar y mantenerte en expectante actitud para el próximo gag, eso, era una de las muchas virtudes de Groucho, Harpo, Zeppo Marx y Margaret Dumont. Humor del blanco con una retranca espectacular. Humor que, pese al tiempo que ha transcurrido desde su filmación, continúa manteniendo la frescura que en su día debió tener.
Una noche en la opera es sin lugar a duda una de las películas más famosas de los Hermanos Marx, la primera en la que ya no intervenía Zeppo. ¿Quién no recuerda la famosa escena del camarote en la que de un modo casi imposible se va llenando de personas hasta convertir aquel reducido espacio en un lío de brazos y pierna? ¿O aquella otra, tan famosa o más que la anterior, en la que Groucho con la habilidad de un buen liante se lía con lo de la parte contratante de la primera parte? ¿O la bonita declaración: Todo en ella me recuerda a Ud., excepto Ud.?
El argumento de la película pueden encontrarlo en cualquier página de cine pues, como digo, es casi con toda seguridad una de los clásicos de la comedia de las que más se ha hablado, escrito y publicado al respecto.
Sin embargo, para los que quieran una pincelada sólo apuntarles que la trama se desarrolla entre Milán, un trasatlántico y Nuevas York. Con una compañía de cantantes de ópera que viajarán de Italia en esa travesía marítima para llegar a América donde debe triunfar la compañía. Y todo este periplo dinamitado por surrealistas historias de amor, cómicos encuentros y desencuentros hasta llegar a hilarantes situaciones.
La película además, realizada con una cuidadísima producción tiene una maravillosa fotografía con unos planos exquisitos pese a los cómico que rodea muchos de ellos.
No me cansaré de repetir, una y otra vez, que en el cine clásico tenemos nuestras mejores referencias y que lo bueno, en el cine como en todo, acaba perdurando en el tiempo.
© Del Texto: Anita Noire

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Melancolía: La serenidad de una tragedia

admin — Tue, 08 May 2012 21:08:27 +0000

Casi todas las películas recuerdan a otras. Como pasa en literatura, ya está casi todo rodado, contado, explicado, exprimido y sobado. Es muy difícil que el tema tratado se muestre desde un punto de vista absolutamente original.
Melancolía de Lars Von Trier no es una excepción. Por ejemplo, en el arranque utiliza una técnica narrativa que se aproxima al que ya utilizó Bergman en Persona. Ambos intentan crear un clima que esté presente durante el resto de la película colocando imágenes en un orden desconcertante. Bergman lo consigue. Lars Von Trier no. A pesar de que la belleza de la imagen (acompañada por la obertura de Tristán e Isolda de Richard Wagner) de la cámara lenta y la calidad digital, el espectador olvida eso que vio y cuando quiere recordar ya es tarde. Es decir, el problema no es de plasticidad sino de intención. Fallida, por supuesto.
Además de esto, la película apesta en su conjunto a copia de sí mismo y eso no suele funcionar bien.
Pero estas son las malas noticias. No son pocas ni insignificantes. Ahora bien, las buenas son numerosas y de mucho peso en el conjunto del trabajo de Lars Von Trier.
Es posible que alguno tache el guión de la película de vano, superficial o desestructurado. O todo al mismo tiempo. Pero lo cierto es que este libreto, dividido en dos capítulos que se dedican a cada una de las protagonistas, busca, por una parte, sumergirse en las psicologías personales y, por otra, llenar de acidez un mundo absurdo que está a caballo entre el surrealismo y lo que conocemos como realidad. Con esto, lógicamente, hace que el centro del universo sean dos mujeres (y los que les acompañan) y que la trama pueda ir de la mano de esas psicologías que se presentan como modeladoras del mundo. Es, si quieren, un pequeño truco narrativo que da mucho juego al permitir desarrollar la acción rozando la frontera de lo convencional sin generar grandes conmociones. Las licencias son mayores y el espectador las asume con cierta naturalidad. Del guión, también, llama la atención que no siempre funciona el humor ácido y tremendista aunque el resultado termina siendo suficiente.
Porque, como decía, lo importante es la construcción del personaje. Desde ahí llega la tensión narrativa, la hondura de la película. Todo está al servicio de una misma cosa: el personaje. Y cuando digo personaje digo estado de ánimo.
Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg interpretan a Justine y Claire. Ambas están estupendas en su papel. A la primera se le ha reconocido su labor en varios festivales incluido el de Cannes. A la otra no tanto. Sin embargo, podría haber sido al contrario y hubiera sido igual de justo. Entre otras cosas porque el guión se desarrolla mejor y con mayor apertura en la parte dedicada a Claire y hace que la interpretación de Charlotte Gainsbourg luzca mucho.
Justine y Claire son distintas. Interpretan el mundo desde diferentes prismas. Justine no puede conformarse porque conoce el destino; sufre por ello; no respeta las normas que otros tienen como pilar. De este modo, cuando sabe lo que representa el planeta Melancolía, rompe todos los moldes para sufrir en libertad, da rienda suelta a una bipolaridad que el director explota hasta el ridículo. Intenta que su hermana y su sobrino acepten que sólo se parecen a lo que son. Con su hermana los intentos son violentos; con el sobrino echa mano de la fantasía. Eso es la vida para Justine: todo lo que está por llegar como forma de magia. Claire es pragmática, acomoda su vida en el bienestar. Pero eso le impide ser feliz. Lo sabe. También sufre por ello aunque no cambia. Sólo, en el último momento, hace un intento por acercarse a una tranquilidad que perdió muchos años atras y recupera al vivir una tragedia.
Es muy interesante el personaje que interpreta Kiefer Sutherland. Es el marido de Claire. No soporta enfrentar lo feo de la vida, cualquier cosa sobre la que no ejerza un gran control. Es inmensamente rico y todo lo arregla con dinero. Pero Melancolía le hará conocer la derrota absoluta, la claudicación. Es un desmoronamiento inmediato, trágico. Por su parte, los padres de Justine y Claire (unos veteranos que llenan la pantalla sin proponérselo; Charlotte Rampling y John Hurt) son los que ponen una nota de humos exquisita desde su ancianidad.
Sería una pena desvelar la trama aunque hubiera sido mucho mejor para entender lo que digo. Sólo apunto una pequeña parte. Melancolía es un planeta que va en busca de la Tierra. Los científicos dicen que no se producirá una colisión, pero hay dudas.
Lo que sí desvelo es que se van a encontrar (los que no hayan visto la película) con una banda sonora estupenda de Mikkel Maltha. La serenidad de la partitura enfrentada a la velocidad de una tragedia de magnitud colosal.
Y lo que sí desvelaré es la emoción que produce la magnífica escena final. Al levantarse, el espectador descubre que todo estaba pensado para ese desenlace (esto es algo que con el tiempo puede terminar enfadando aunque se le perdona al director).
Para los más curiosos un aviso. Supongo que como homenaje a Andrei Tarkoski, Lars Von Trier utiliza elementos que nos llevan hasta el mejor cine del ruso. Esa caída del caballo al comienzo, las láminas de los cuadros que acompañan el estado de ánimo de Justine (llega a cambiar todas las reproducciones de arte abstracto por otras realistas porque el mundo y su magia son, en definitiva, el mundo con su forma).
Una buena película que les hará pasar un buen rato.
© Del Texto: Nirek Sabal

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Pina

admin — Mon, 07 May 2012 21:03:44 +0000

Wim Wenders firma este documental que recuerda y homenajea a Pina Bausch.
No entiendo mucho de danza. Y, posiblemente, no he logrado entender mucho de lo visto. Pero la plasticidad del documental, el montaje que alterna las coreografías con las intervenciones de los bailarines que estuvieron a las órdenes de Pina Bausch, una fotografía magnífica de Hélène Louvart, y una dirección extraordinaria de Win Wenders, me han cautivado desde el primer minuto.
Los bailarines fundiéndose con el entorno, sus deseos convertidos en realidad mientras están la calle, amores rotos, amores nuevos, la libertad, la soledad, todo tipo de sensaciones convertidas en un movimiento. Los elementos básicos convertidos en vitales para que la danza sea auténtica.
Los encuadres son precisos y preciosos. Wenders mima con la cámara todo lo que los artistas tratan de decir. Los movimientos son delicados. El director quiso rendir tributo a su amiga haciendo un trabajo de primera categoría.
Durante todo el metraje, la figura de Pina está presente. Su forma de entender el baile, su forma de tratar a los bailarines, la libertad que cualquiera que se acercara a ella tenía para trabajar.
Este es un documental excelente. Y lo dice alguien que no entiende la danza, que no sabe valorar adecuadamente algo que, por otra parte, le ha tenido pegado a la butaca de principio a fin.
Me quedo con la escena en la que una mujer intenta que su amado no la abandone. Por su belleza. Y con el hombre que baila sobre la tierra de una cantera. Porque la fusión de entorno y artista aparece con fuerza, sin dejar un milímetro a la duda. Pero, también, me quedo con el conjunto porque es asombroso.
Si pueden verla en una sala de cine y en 3D, mucho mejor. Creo que es la primera vez que alguien utiliza este recurso (que detesto) para hacer que el cine sea algo mejor y no para vender lo que no hay u obligado por las modas.
© Del Texto: Nirek Sabal

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La pesca del salmón en Yemen: Quedarse corto

admin — Sun, 06 May 2012 09:57:02 +0000

Empezaré con los datos técnicos de esta producción para aquellos que van al cine en función de quien dirige una película o de quién la protagoniza. En este caso, La pesca del salmón en Yemen, está dirigida por Lasse Hallström y protagonizada por Ewan McGregor, Emily Blunt, Kristin Scott Thomas y Amr Waked. Este tipo de elección suele ser un fiasco, pero en fin.
Sin embargo, los que esperen encontrar una película del nivel de Las normas de la casa de la sidra del mismo director, pueden ir preparándose para encontrar algo completamente distinto, algo con bastante flojera aunque no por ello debe dejar de reconocerse que tiene algunas cosas buenas. La primera la fotografía; la segunda, la fotografía y la tercera, pues también, la fotografía.
El argumento: Un jeque de Yemen, con residencia habitual en Escocia, aficionado a la pesca del salmón por los principios personales y morales que esa actividad encierra (¿?) pretende llevar hasta el Yemen esa actividad. Para ello contará con una asesora legal, con un funcionario gris del Ministerio y con una inversión multimillonaria que contará, inicialmente, con el visto bueno del Gobierno británico en un intento, de este último, de mejorar las relaciones árabe-británicas. Sin embargo, pese al enorme empeño del Jeque y la asesora, en algo tan estrambótico como intentar llegar peces de agua fría, que nadan contracorriente, a un país seco, sin agua y más bien inhóspito; las dificultades serán mayúsculas. En el interín, la vida del funcionario gris, descreído inicialmente del proyecto, con un matrimonio desastroso dentro de lo convencional; la vida de la asesora pendiente de una relación con un soldado destinado en Afganistán y desaparecido en combate; se desmoronará para convertir a dos seres absolutamente antagónicos en dos puntos de apoyo cruciales en sus vidas. Mientras tanto, desastres fluviales, alegrías, etc.
Hace falta rascar un poco para que, tras esa apariencia de película estúpida, se encuentre algo más. Porque el absurdo proyecto que tienen entre manos, es lo de menos. La esencia de la película radica en la necesidad de ir contracorriente para poder seguir viviendo, para no conformarse y tener fe, creer en la capacidad de uno mismo, en la de los demás.
Sin embargo, como digo, aunque el tema que pretende afrontar la película, que mezcla grandes dosis de humor con contenida emoción y tristeza, es ese y puede parecer un buen reto para una propuesta en el cine (como lo podría ser para cualquier otra cosa), se queda corta y lo mejor termina siendo la fotografía.
Una recomendación, si piensan verla, háganlo en versión original. Les parecerá un poquito mejor, seguro.
© Del Texto: Anita Noire

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Cowboy de medianoche: Adiós al sueño americano

admin — Sat, 05 May 2012 15:54:07 +0000

Hubo un tiempo en que el cine contaba historias maravillosas, hablaba de grandes héroes, de mujeres bellas, de historias en las que los buenos tenían la fortuna de su lado. Hubo un tiempo en el que el cine servía para evitar, durante hora y media, la realidad. Pero en ese tiempo todo se repitió más de la cuenta, los actores eran siempre los mismos y, sobre todo, la realidad seguía estando en el mismo lugar de siempre. Las personas querían enfrentar los problemas, el deseo de entender era mayor que el de soñar. Y el cine cambió.
Esto podría parecer la crónica de un cine antiguo, en una época lejana. Y no, esto es lo que pasó a finales de los años sesenta. Una sociedad norteamericana menos puritana, menos miedosa con las cosas de Dios; un país en guerra (otra vez); unos niveles culturales mucho más avanzados y una vanguardia intelectual incisiva y combativa; demandaba un cambio radical, un alejamiento de las fórmulas de un Hollywood decadente a todas luces. El sueño americano se diluía con rapidez y la magia del cine se perdía en grandes superproducciones que insistían en defender lo que ya era un recuerdo y una mentira.
Cowboy de medianoche es una excelente película firmada por John Schlesinger. Este director llegaba del Reino Unido habiendo dejado claras muestras de cómo otro camino era posible en el cine. Llamado por la industria norteamericana y pensando que trabajaría con más medios y mayor libertad, se hizo cargo del proyecto que le ofrecieron. Se trataba de llevar al cine la novela de James Leo Herlihy. Para ello se encargó la adaptación a Waldo Salt. Se buscaron caras menos gastadas. Y se contrató a Dustin Hoffman y a Jon Voight. El primero ya había dejado claras sus posibilidades en El graduado. Voight era menos conocido aunque había trabajado en algunas series y en alguna película de poca relevancia. Una de las condiciones del director fue que los secundarios fueran poco conocidos o, mejor, desconocidos por completo. Por ello se contó con Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White, Bob Balaban y Barnard Hughes. Otra de las nuevas caras era Adam Holender, un director de fotografía que se quedó y del que se demandó su trabajo en muchas películas a partir de ese momento. En Cowboy de medianoche hace un trabajo muy bueno rodando con luz natural y potenciando el grano para dar mayor realismo a la imagen.
La película es un golpe mortal al sueño americano, la historia de dos seres que no encajan en una sociedad destructora y sin compasión, la historia de una amistad y de un amor. Porque, si en la novela la relación entre los personajes protagonistas termina en el terreno homosexual, en la película está presente, de principio a fin, aun sin que se consume. Nueva York llena de personas solitarias, vacía de posibilidades. El pasado opresor que limita al que lo arrastra. El snobismo casi ridículo que sobrevive por ser un circo que se llena de payasos adinerados. El escenario es desolador. Aunque cualquier parte del mundo también lo es. Es por ello que (uno de los grandes méritos del director) los personajes, a pesar de su patetismo, llegan al espectador con simpatía. Es tal la desazón que genera todo que lo menos tremendo son ellos siendo un pueblerino cándido y estúpido y un ladronzuelo de aspecto repugnante.
Joe Buck (Jon Voight) es un muchacho que lava platos en algún lugar de Texas. Deja todo lo poco que tiene para viajar a Nueva York. Su intención es ser gigoló y hacer dinero. Cuando llega todo es mucho más difícil de lo que pensaba. Conoce a Ratso (Dustin Hoffman). Lo primero que hace este es estafarle veinte dólares. Terminan viviendo juntos en un edificio abandonado de Nueva York; Ratso intentando no enfermar más de lo que está, Joe prostituyéndose con hombres en cines de mala muerte.
Es estupendo cómo en cada conversación entre ellos aparecen los celos de uno, la ignorancia del otro respecto a lo que le dicen. Y muy importante la incorporación de la partitura en el desarrollo de la trama. Si alguna vez fue necesaria la música es en esta película. Tanto las zonas oníricas en las que vamos conociendo el pasado y los deseos futuros de los personajes, como en las zonas narrativas en las que la evolución de Joe y Ratso se hacen patentes; la música hace de nexo preciso para que todo se produzca con credibilidad. El famosísimo tema de Harry Nilson, Everybody’s Talking, y la armónica de Jean “Toots” Thielemans, son el eje central de la banda sonora.
El ritmo es notable aunque, a decir verdad, la última parte de la película se pierde en lugares que pasados más por encima hubieran causado el mismo efecto. Por ejemplo, la fiesta a la que son invitados los protagonistas. Y, también, hay que señalar que la candidez de Joe es algo exagerada y difícil de creer. Esos serían los peros. No obstante, el conjunto es magnífico y la película se ganó un sitio entre los clásicos más que merecido. Entre otras cosas por su zona onírica. Hay un momento de la película en la que Joe afirma (lo hace a menudo) ser un semental y que una chica de su pueblo tuvo que ser ingresada en un sanatorio psiquiátrico después de acostarse con él. Los sueños del personaje hablan de otra cosa mucho más perversa, mucho más terrible. Por otra parte, los sueños de Ratso tienen que ver con su deseo, casi vital, de vivir en Miami. La evolución de estos es correlativa a la realidad que vive junto a su amigo (y amado). Esta es una de las mejores cosas de la película. Sin duda alguna.
Si se animan con Cowboy de medianoche atiendan a la primera escena. Toda una declaración de intenciones de lo que sería el cine desde ese momento, de un cambio tan necesario como acertado.
© Del Texto: Federico de Vargas y Expósito

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Confessions: Desastre narrativo o más

admin — Thu, 03 May 2012 19:38:58 +0000

El cine es un espectáculo con su propia coherencia interna; un arte que se sostiene sobre unas reglas que pueden modificarse con y en el tiempo, pero que existen y deben respetarse aunque sólo sea mínimamente. Una de esas reglas, común a cualquier manifestación artística, es que se debe representar una realidad compartida. Sin esto todo se convertiría en absurdo, imposible de entender y perdería valor alguno, estéril; y esto nos llevaría a plantear otros problemas que tienen que ver con la estética, con la mecánica narrativa o con el último fin del cine que no es otro que el comunicar. Lo que sea, pero comunicar al fin y al cabo. Buscando una respuesta del observador o sin buscarla, pero comunicar. En el caso del cine, si, por ejemplo, mostramos una serie de imágenes bellas o extrañas o repugnantes sin contar nada sino buscando alardes estéticos, quedando la propuesta en la forma sin llegar al fondo; no estaremos haciendo cine. Eso sería más una ciclogénesis explosiva de carácter onanista, pero cine lo que se dice cine, no. Porque, en cine, es el guión el que convierte ese producto en la representación de la realidad que buscamos.
Confessions es una película aplaudidísima en su momento por sectores determinados del gran público y por algunos jurados de premios importantes como, por ejemplo, el de la Academia de Cine de Japón. Desconozco si es que no tenían otra cosa que aplaudir y se lanzaron con locura a lo primero que vieron por allí. Tal vez estaban de coña. No lo sé. El caso es que Confessions es una película de cine (mala) que acumula, de principio a fin (apelotona) imágenes para algo que no alcanzo a entender. La firma Tetsuya Nakashima y es una adaptación de la novela de Kanae Minato. Ya les aviso que la novela es igual de mala. Extraordinariamente mala. Es verdad que esas imágenes son bellas (no todas, claro) y que el director intenta enfrentar tonos azulados y grises con los personajes aunque el problema es que no hay personajes. Son fantoches. Entonces, enfrenta colorines y fotos bonitas con nada. Además, el guión no se sostiene, se vacía a los cinco minutos de película definitivamente y sin solución alguna. La película se hace irrecuperable desde muy pronto.
Por un lado, la credibilidad es escasa o nula. Imaginen que una profesora entra en el aula de sus hijos (de los de usted) y les dice que la leche que han bebido estaba infectada con el virus del SIDA. Eso de infectar la leche con sangre ya huele a idiotez, pero es aún peor intentar colar que treinta chicos y chicas no dirán una palabra o que si lo hacen (es lo más probable) allí no pasa nada. Es sólo un ejemplo y no es el peor en esta película.
Además de ser inverosímil, deja a medias casi todo. Si ven esta cosa o si ya la han visto, piensen en el profesor con pinta de gilipollas y ridículo. Aparece, toma relevancia y desaparece sin dejar rastro. Hale, ya está. Debe ser que el director tenía alguna imagen preciosa más que sumar al resto. Eso o te dicen que una de las chicas que andan por la pantalla sin ton ni son se dedica a envenenar a las familias enteras. Sin explicación. Esta es asesina aunque no lo parezca. Y ya está. Es insultante.
No sigo porque me da pereza. De verdad. Creo estar haciendo un esfuerzo que esta película no se merece. Aunque no puedo dejar de señalar el gran desastre. Lo hago por ustedes para que no pasen por la experiencia que he pasado yo. Verán, la película se titula Confessions porque se supone que cada personaje irá añadiendo un punto de vista a la acción. Pues yo no había visto nunca jamás semejante chapuza. Lo que hace el guionista, en realidad, es llenar lagunas que dejaron los demás (intencionadas para escatimar información al espectador, claro) o hacen que avance la acción dando giros absurdos a la trama. El narrador es siempre el mismo. Se lo garantizo. Y el narrador es el punto de vista. Así que el resultado es patético. Desastre es poco.
El asunto que intenta ventilar el director es la venganza. Eso creo. Por supuesto, lo hace mal. Se queda en la superficie; es como si algo así no tuviera que ver con la persona sino con lo que hace él u otro. La conciencia del personaje, la consciencia del personaje, parecen no existir. Se plantea todo como acción-reacción. Ya está. Más desastre.
En fin, que Confessions es una castaña pilonga. Una especie de vídeoclip de estética manga que aburre a cualquiera. Por cierto, la dirección actoral es sorprendente. O convierte el trabajo del elenco en un espectáculo de histrionismo desbordado o hace que parezca un grupo de muertos vivientes, sosos como ellos solos.
Eso sí, si alguien quiere saber cómo no se hace cine, si alguien quiere comprobar cómo alguien es capaz de cometer todos los errores posibles en un solo trabajo, que no se la pierda.
© Del Texto: Nirek Sabal

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Teorema: La patada en el estómago

admin — Wed, 02 May 2012 07:49:28 +0000

La primera vez que vi Teorema fue proyectada en el salón de una casa de campo de muros encalados. Las paredes eran rugosas e imperfectas, así que el proyector se situó estratégicamente sobre una silla subida a una mesa de comedor con la intención de proyectar exactamente en los visillos blancos del ventanal. Las protuberancias rojizas de la pared sumadas al fruncido de las cortinas y al aturdimiento del alcohol más los humos de la chimenea consiguieron tal efecto alucinógeno en la proyección de la película que desistí de ella para abandonarme al sueño y a las risas a la espera de una pared mejor.
La segunda y última vez que vi Teorema, fue con unas gafas prestadas y dos perritos sobre mis piernas. Esta vez, a pesar de las consecuencias que tuvieron sobre mi cintura y mi vista cansada las casi dos horas de película sin poder moverme, puedo asegurar que esta surtió su efecto sumándose así a mi lista personal de películas extraordinarias.
Esta vez, Pasolini consigue la desintegración total de una respetable familia de burgueses mediante la llegada a su casa de un misterioso visitante. El visitante, de una naturaleza seductora, espiritual, casi divina, consigue sin esfuerzo cautivar a todos los miembros de la familia, desde la criada hasta el matrimonio y los hijos adolescentes. Una vez todos encantados, el visitante anuncia su marcha dejándolos a cada uno en una crisis personal e indivisible sin lugar dónde ubicarse ni novedades y alicientes a la vista y fuera de su equivocada seguridad. Esta crisis de melancolía afecta a cada uno de los personajes de distinta forma. Mientras que Odetta, la hija adolescente, cae en una parálisis autista sin remedio y Pietro, el hijo, vuelca su locura en una frenética actividad artística, Lucia, la madre, se pasea en mini cooper seduciendo en el camino a todo muchacho que pueda procurarle las ilusiones perdidas, y Paolo, el marido, resuelve abandonar su fábrica a los obreros.
Mientras Emilia, la criada, se salva purgándose a base de sopa de ortigas para luego acabar enterrada en una parcela en construcción dónde se formará una bonita fuente a partir de sus lágrimas, los gritos de todos ellos resuenan en un desierto de arenas negras azotadas por el viento.
Teorema le costó a Pasolini una acusación del Vaticano. Fue acusado, juzgado y absuelto después de varios meses costándole casi la prisión. Teorema fue prohibida en Italia, queriéndose destruir todas las copias para su exportación. Sin ser el contenido de esta película obsceno ni ofensivo, el público se sintió provocado por las formas, las mismas formas que, como ya comenté en otros textos sobre Pasolini y otros cuantos autores, a mí me parecen la patada en el estómago estómago, el estudio filósofo-científico-literario y el instrumento de pensamiento que es el cine.
© Del Texto: Sonia Hirsch

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