sep 27 2010

Addicted to love: Sólo para minorías

ADDICTED TO LOVE – LIU HAO – CHINA – SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

A las personas mayores les cuesta encontrar su sitio en una sociedad que ha cambiado por completo, y que aún sigue cambiando; donde los valores familiares se han visto alterados. En esa vida trastocada, en un paisaje urbano feo y triste, los roles empiezan a cambiar: los enfermos de Alzheimer se vuelven lúcidos en su extravagancia, los padres cumplen la función de los hijos y éstos, cuando no están trabajando o trepando por la escalera social, se comportan como responsables de la inutilidad de sus mayores.
No deja de ser curioso que los más jóvenes permanezcan al margen de estos conflictos, como aguardando su momento.
De todo esto ha querido hablar el director joven director chino Liu Hao, en este su tercer largometraje y lo ha hecho con el leguaje cinematográfico que le ha parecido oportuno, reflejando los interiores desde fuera y los paisajes urbanos a través de las ventanas; con largos corredores y umbrales que se abren sobre habitaciones vacías. Con edificios vacíos de gente en una trama urbana rota y desangelada.
El resultado es una película inmóvil, que apenas cambia de registro en algunos toques de ternura de ese viejo, que lucha por construir su historia de amor, con una mujer de su misma edad a la que se le empieza a ir la cabeza. Una cinta lenta, llena de vacíos, repetitiva en las acciones y en los planos de una manera consciente y provocada.
Parece que la sociedad china sufre ahora en una de sus instituciones más importantes, la familia, la desproporción de ese crecimiento que ha convertido a su país en una gran potencia.
Hemos podido ver recientemente otras películas chinas que sobrevuelan mundos similares, por eso, podemos decir que la falta de interés que nos provoca este filme, no viene de la utilización de universos que nos sean ajenos o de historias que no nos interesen. Simplemente es una manera muy personal de hacer cine que no le interesa a todo el mundo y que busca minorías receptivas a su ritmo. Yo no me encuentro entre ese público, creo que una película tiene que capturar al espectador para que éste se sienta cómodo en un lugar común con lo narrado y pueda disfrutar de la narración para extraer el mensaje profundo. Si la narración es lenta, debe de ser al menos intensa o poética o perturbadora, para mantener esa tensión que pide una sala oscura. Desde mi punto de vista Addicted to Love falla ahí.
Por lo demás está técnicamente bien resuelta y los actores, especialmente el protagonista, creíble y virtuoso en una interpretación plana y minimalista.
El público en el Kursaal aplaudió con ganas después de la proyección. No lo hicieron, porque no pudieron, las personas que se fueron, abandonando la sala en un goteo constante.
A mí no me gustó y me pase dos terceras partes de su duración deseando que terminase.
© Del Texto: Ivor Quelch


sep 27 2010

French Kiss: Un viaje al inicio

Tengo una pequeña debilidad por French Kiss. No sé muy bien lo que es: si el personaje canalla de Kevin Kline, el propio Kevin Kline, la excelente banda sonora que incluye temas como Dream a Little Dream, I love Paris, Someone like you, La Vie en Rose en la versión de Louis Armstrong, los viajes en tren, o quizá sea porque conozco de memoria cada palmo de los lugares en los que se ha filmado, (los conozco o los he soñado, ya no me acuerdo) Paris, la Provenza francesa, la Costa Azul…
En French Kiss, Meg Ryan interpretando a la americana Kate viaja a Francia para recuperar a un novio que ha sucumbido a los encantos de una sofisticada parisina hasta el punto de romper su compromiso por teléfono con la infeliz y provinciana Kate que decide apuntarse a un curso para perder el pánico al avión y cruzar el Atlántico en busca de su chico.
A su llegada, toda una serie de contratiempos la llevan a vagar por París sin un franco, desorientada y sin rumbo. Quien ha vivido en Paris sabe que es la ciudad más extraordinaria del mundo, y que hay que recorrer a pie uno a uno los distritos, las avenidas, las plazas y los rincones, para ir descubriendo la belleza que está por todas partes. Lo único que no hay que buscar en París es esa torre majestuosa que preside la ciudad, la Torre Eiffel. No hace falta buscarla porque es ella quien te encuentra estés donde estés. La magia consiste en extasiarse con cada uno de los ángulos que te ofrece dependiendo del lugar en el que se tope contigo. En French Kiss, un ingenioso juego de espejos, el camión de la basura, vidrieras que se apagan repentinamente, hacen que esa imponente dama no pueda encontrar a Kate en su periplo por la ciudad.
Creo que viajamos para reconocer aquéllos lugares a los que ya hemos viajado a través de postales antiguas, mapas, libros, películas… que viajamos para volver a estar en lugares en los que ya estuvimos en nuestros sueños y en los que ya nos proyectamos a nosotros mismos montando en bicicleta, compartiendo un paraguas entre risas o subiéndonos el cuello del abrigo ante un río. Viajamos para llevar a cabo acciones ya vividas en algún lugar de nuestra imaginación. Es ahí donde se inicia el viaje: en el preciso instante en que decidimos que vamos a ir un lugar. Ahí comienza el viaje: al soñarlo, al proyectarlo… una vez que subimos al tren empieza el camino.
Leí una vez una cita que decía que la lectura es el viaje de los que no pueden tomar el tren. Yo diría que lo fascinante es leer y después viajar para recordar.
© Del Texto: pyyk

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sep 27 2010

Elle S’appelait Sarah: Recarga de sensibilidad para todos

ELLE S´APPELAIT SARAH – GILLES PAQUET-BRENNER – FRANCIA – SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

Elle s´appelait Sarah, Se Llamaba Sara, me ha parecido una buena película. El planteamiento no es una novedad, pero el guión es sólido y sostiene la ficción, que mezcla dos momentos históricos paralelos. Uno en la actualidad, en París, donde una periodista americana, afincada en la ciudad desde hace veinte años, inicia una investigación que le lleva a un momento del pasado. Ambas historias se mezclan y se cruzan implicando emocionalmente a la protagonista –y al espectador- y relatándonos sucesos ocurridos en el tiempo de la Guerra Mundial.
Hay un par de giros de guión algo forzados y la ambientación de época no es notable, pero ninguna de las dos cosas impide que permanezcamos en la butaca conteniendo la respiración, mientras se resuelve un argumento interesante que no decae en ningún momento y que nos lleva de París, con Julia Jarmond (Kristin Scott Thomas), la protagonista, a Nueva York y a Florencia, donde se completan los retazos de unas vidas rotas más de medio siglo atrás.
Y es que la participación emotiva del espectador con Julia, con su momento personal y sus circunstancias vitales, es un primer peldaño que nos permite implicarnos por completo en el foco de su investigación.
Kristin Scott Thomas es una actriz que me gusta mucho, es guapa, elegante y tiene un aire enigmático capaz de resolver cualquier papel complicado. Aquí defiende un personaje con técnica y cercanía, e incluso ese punto de frialdad que le caracteriza, juega a favor de la interpretación que se ve arropada por un grupo de actores eficientes.
El filme está basado en una novela de Tatiana de Rosnay.
Todo esto está muy bien, sí. Les animo a que la vean si tienen esa oportunidad.
Pero lo que importa es lo que hay detrás.
A lo largo de 1942, setenta y cuatro trenes especiales salieron de Francia con destino al campo de concentración de  Auschwitz, cargados de judíos. Más de setenta y seis mil personas, once mil niños. La mayor parte de ellos no regresaron nunca. Personas. Como ustedes y como yo, niños como sus hijos. Esta película cuenta la biografía posible de una de ellas y de su familia. Una niña arrojada en el pozo del horror. Los que han hecho posible esta película, lo cuentan para recordarnos que no fueron los nazis malditos los que participaron en ese crimen masivo, sino ciudadanos franceses, en un clima viciado de prejuicios y de oprobio, los que activamente o por omisión permitieron que sucediera. Hace algo más de una decena de años, Jacques Chirac, el Presidente de la República, limpiaba en parte la vergüenza de Francia, reconociendo y pidiendo perdón por esos hechos, que este filme traslada a la sociedad por medio de una ficción que posiblemente tenga mucho de cierto.
Es una película notable, por lo que dice y por cómo lo dice. Está hecha con sensibilidad y tiene tensión dramática. Cualquier premio que reciba será un premio para la Humanidad que no debe olvidar nunca un solo minuto de aquel drama.
Recibió en mi opinión menos aplausos de los que se merecía en el pase para la prensa. Seguramente recibirá un caluroso saludo mañana, en la gala de clausura en la que se proyectará.
A mí me mantuvo atento y me emocionó.
© Del Texto: Ivor Quelch

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sep 27 2010

How Much Does Your Building Weigh, Mr. Foster?: Corrección sin vida

HOW MUCH DOES YOUR BUILDING WEIGH, MR. FOSTER? (¿CUANTO PESA SU EDIFICIO, SEÑOR FORSTER?) – NORBERTO LÓPEZ AMADO y CARLOS CARCAS – GRAN BRETAÑA/ESPAÑA – ZABALTEGUI, NUEVOS DIRECTORES

Un documental sobre Norman Foster producido por su mujer, Elena Ochoa. No piensen que es una maldad, pero no deja de ser un hecho cierto. El resultado es lo que podíamos esperar: una cuidada producción, una fotografía impecable con la que las grandes obras de arquitecto, lucen con un esplendor y una grandiosidad incomparables, y un guión encaminado a ensalzar la figura del artista como un visionario, y su dimensión humana, casi como un superhéroe.
El propio Foster es quien lleva las riendas de la narración de esa construcción de sí mismo y del mundo. Es un hombre con una presencia y una elegancia, singulares, gran aplomo como orador y fotogenia. Debe de ser inteligente para llegar a donde ha llegado. La película llega al espectador sin un fallo. Para apoyar la narración aparecen, por aquí y por allá, varios artistas y asociados, cuidadosamente seleccionados, vestidos y maquillados.
El recorrido por la trayectoria vital y profesional de Foster es lineal y previsible: su infancia en una vivienda obrera suburbana de Manchester, sus primeros dibujos y su primera empresa y éxitos; y después un recorrido por sus trabajos más emblemáticos. Aparece en una secuencia muy breve como padre atento y en otras dos recordando momentos vitales decisivos. Sin emoción.
El resultado es un documental… ¿perfecto?
Admiro mucho a Norman Forster. Creo que es un genio como arquitecto y como artista y entiendo que sus grandes construcciones se han convertido en paradigma de un mundo nuevo y referente inevitable. Creo que es una de las mentes que en este momento, en estos últimos años, ha movido la manera de entender el mundo y participado de manera singular en su construcción. Lo ha hecho con sus grandes obras, como el aeropuerto internacional de Pekín, el edificio más grande de la tierra, en las más reducidas actuaciones simbólicas como la reconstrucción del Reichtag, con su cúpula emblemática; y también en los edificios de pequeño formato como el creado para la sede de la municipalidad de Londres, junto al puente. Me parece además que no hay que tener un importante conocimiento de la arquitectura y basta con extender una mirada curiosa sobre sus obras para entender que son maestras, y grandes logros arquitectónicos, y pienso en el viaducto de Millau. Todo esto queda muy bien retratado en la película.
También Elena Ochoa merece mis respetos como productora de cine y editora de arte, labores  ejemplares, a las que debemos un reconocimiento.
Pero falta algo. Lo que previmos que iba a ocurrir al tener conocimiento de cómo surge la gestación de este documental. No hay conflictos ni claroscuros. No hay una parte humana que nos interesa mucho más que las obras a las que podemos acceder con otros recursos y otros audiovisuales. ¿es que nunca ha tenido un fracaso?
A mí, personalmente, me hubiera gustado –y para eso me acerqué al cine- saber cómo vive y como duerme, verle en su entorno familiar o en sus reuniones de trabajo. Recorriendo alguna de sus obras en el detalle de las infraestructuras; en el recuerdo de momentos de dificultad o de ingenios súbitos que hicieron crecer un proyecto. Verle nervioso, triste o desesperado ante el fallo adverso de un concurso. Creo que a ustedes también les hubiera gustado.
Se ve un intento claro de manipulación de imagen, de crear un producto perfecto. Conseguir una imagen, o mejor: pulirla y perfeccionarla. Lo han conseguido.
Imagínense lo que hubiera sido acompañarle en un viaje por el mundo visitando sus obras, hablando con gente que las habita para vivir o trabajar, con los ciudadanos que las sufren y las disfrutan. O recorrer su vida por un día, una semana o un mes de trabajo; en la preparación de un proyecto desde su origen. Para ello hubiera sido necesario que la idea surgiera de alguien más lejano al personaje, capaz de arrojar un foco sobre él que nos iluminase. A nosotros.
Es una pena. Una oportunidad perdida. Aunque se agradece el trabajo y se aprecia. También se entiende el proceso y el resultado.
Se aplaudió brevemente.
A mí me gustó, decepcionándome.
© Del Texto: Ivor Quelch

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